第二课节奏律动.pdf

《第二课节奏律动.pdf》由会员分享，可在线阅读，更多相关《第二课节奏律动.pdf（18页珍藏版）》请在taowenge.com淘文阁网|工程机械CAD图纸|机械工程制图|CAD装配图下载|SolidWorks_CaTia_CAD_UG_PROE_设计图分享下载上搜索。

1、 第二课 节奏律动 乐器在流行音乐中的作用 本段文字由音乐制作人方陪亨 提供 钢琴 人们口中所说的乐器之王就是钢琴，而乐器之后是小提琴，乐器王子是古典吉他。钢琴源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器，由 88 个琴键和金属弦音板组成，普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，作曲和排练音乐十分方便。键盘乐器的优点就在于能够适应这种深化的需要。同时也反过来为多声音乐的发展创造了条件。钢琴因其独特的音响，88 个琴键的全音域，历来受到作曲家的钟爱。在流行、摇滚、爵士以及古典等几乎所有的音乐形式中都扮演了重要角色。钢琴在流行音乐中的作用与地位 古典钢琴的演奏曲目，多是那个时代曾经流行且经久不衰的经典曲目，所以不如称

2、为经典钢琴。那是现代钢琴流派的奠基，更使现代钢琴演奏教学理论得以延续，同时也造就了系统的钢琴演奏技法。无论是古典钢琴还是现代钢琴，都要有良好的理论与技术基础。我们既可以选择做人类文明的传承，也可以选择彰显自我、自娱娱人。现代自动钢琴（出现在 20 世纪 80 年代）随着电子技术的飞速发展，用集成电路和 CPU 控制钢琴自动演奏装置成为可能。用此基本原理投入钢琴自动演奏器的世界知名企业有美国的 PIANODISC、日本的 YAMAHA以及美国的 QRS公司。其原理是利用计算机 MIDI信号原理，把钢琴键盘的速度和力度信号以及记谱法转换成特定使自动钢琴 CPU 能识别的信号，驱动 40V电力信号，

3、让安装在键盘底端的动力部分推动钢琴的榔头发出声音。随着采样率的进一步提高，钢琴演奏的表现力大大丰富。现在流行音乐编曲中所使用的钢琴基本上都是通过采样录制的音色，他非常方便编曲的使用，只要一台合成器或者一台电脑，你就能拥有各界各大品牌的钢琴音色。如果你不会弹钢琴，也可以通过现代的科技手法达到想要的音色以及演奏，当然要没有一定的钢琴演奏技术却要编写出好的钢琴曲是相当难的事情。钢琴在歌曲中通常都是作为和声铺垫的作用，对于演奏和声，钢琴是很容易做到，只需要同时按下几个音就可以做到，它能使音乐的音响效果更加丰满。但是一首歌曲里不可能从头到位只按和弦，好的钢琴编曲就像一首动听的钢琴曲，哪怕没有歌声在里面，

4、它也是独立的一首乐曲。钢琴的编配好坏涉及到和声、织体、复调、加花与变化等等因素组成。在歌曲的演奏中它可以演奏得很弱，甚至只有几个音的点缀，可以演奏得很强烈很大气，可以演奏得很煽情，也可以很轻快、跳跃、怪异等等。可以说没有什么音乐风格与音乐情绪是钢琴做不到的，这就是钢琴能被成为乐器之王的原因。钢琴在现代电影配乐中的地位 由日本著名配乐大师久石让执笔的千与千寻中，音乐起到了非常关键性的作用。久石让在音乐中非常贴切地把握住了影片画面的内涵，创作出了非常优美、生动的各种类型的音乐多达 20 多首。比如那一个夏天 夜来临 白龙少年 诸神们 那天的河川 腐烂神 千的勇气 无面人 重新开始等等。宫崎骏凭这部

5、电影获得 2002年初第 52 届柏林国际电影节金熊奖等十多个国内外奖项。除了打破日本票房和入座率外，还是首部风行全世界的吉卜力动画电影。可以说影片如此成功，久石让的配乐功不可没。总的来说，钢琴在音乐中是无所不能，他不仅是专业音乐中的乐器之王，也是我们生活中不可缺少的“音乐神器”。吉他 如果把电声乐队比喻成一个人的话,架子鼓则相当于人的骨架,那么低音吉他(贝斯)是肌肉,而吉他则是血液。乐队中吉他占据的地位是举足轻重的。现代电声乐队中,吉他演奏美妙的华彩以及节奏,作为整个乐队的灵魂支柱，在乐曲的经过句中奏出过渡性的旋律,极大地丰富乐队的音色。吉他手要做好乐队当中的沟通者,和鼓、贝斯都要有很好的交

6、流。DRUM 和 BASS(低音吉他)是乐队里控制节奏的乐器,这是一种很奇妙的感觉。有人说 BASS(低音吉他)对电声乐队来说是不可缺少的“灵魂”。吉他在电声乐队中的分类 鼓是乐队的框架,吉他是乐队的高音,而 BASS就是乐队的灵魂.BASS和吉他的不同之处就是前者是低音吉他而后者是高音吉他.高音吉他的作用是担任歌曲中前奏,间奏和尾奏的华彩.所以高音吉他又分为主音吉他和节奏吉他,电吉他是电声乐队的主旋律。由于其演奏手法丰富和吉他效果器的广泛使用,使其表现力十分出色,音色变化多彩多姿。电吉他既可以用作节奏型乐器又可作为色彩型乐器。因此在现场演奏中可以用一把吉他演奏旋律,另一把演奏节奏。1.主音吉

7、他:主音吉他就象乐队的主唱,是曲子的主旋律.主音吉他又叫华彩吉他,伴奏吉他就象乐队的架子鼓,是给主音提供节奏,和立体感的.两种吉他从吉他的种类上是一样的,都是吉他.所谓主音和伴奏只是在乐队中的分工不同。好的主音,可以为一个乐队的作品起到画龙点睛的作用。2.节奏吉他:主要是演奏伴奏的和弦,分解和弦以及扫弦，为乐曲以及乐队的歌曲做和声的铺垫。有好的和声衬托,乐队的作品会显得更加充实,饱满，两者都非常重要!吉他在电声乐队中的色彩点缀作用 电吉他既是和声乐器,又是旋律乐器,换句话说,它既能伴奏,也能独奏。电吉他的压弦奏法与零碎打击乐的结合起到点的作用,原音奏法与钢琴,电钢琴起到铺垫的作用,在乐队里有着

8、框架的效果,其失真和弦奏法与低音吉他,铜管的合奏,合成器的管乐声部形成气势磅薄的效果,其哇音奏法能与木管,钢片琴,铝片琴,木琴等乐器组成复调和对位的奏法。失真旋很奏法的音色更能压其他各种乐器,独树一帜,有看过吉他大师英格威在北京的那场演出,就能感受得到了。它的运用往往都是把乐曲推向高潮的常用的手法,如有多声部吉他。则由伴奏吉他担当内声部的角色,间奏的高潮部分可选用失真和弦奏法或失真音色的华彩奏法,把它推至黄金分割点。这是一种常用的技法,其实四大件里面。爵士鼓与低音吉他起到节奏框架的作用,键盘以铺垫见长,起到了中坚作用。吉他则完全起到色彩点缀的作用。吉他和键盘也常常出现交替互补的情况,特别是在乐

9、曲的正常节奏运行乐段中,它们更是演绎得很完美。吉他效果对电声乐队所产生的作用 现代电声乐队中很多奇特的声音都是由电吉他发出的,这些奇特的声音是靠吉他效果器产生的。效果器电吉他可以通过效果器改变它原来的音色。增加诸如颤音、哇音、回族音、混响、回声、打击声、沙哑声、哨叫声等特殊效果。电吉他通过效果器的加入,使音色变幻无穷,从而极大限度的扩展了它的表现能力。现在的音乐不管是古典,民谣,摇滚都可以用吉他去弹奏,看到很多艺人在电视上以电声乐队的形式出现并表演,通过吉他的完美演绎,不仅体现了旋律好听的歌曲又体现出吉他在乐队中的作用。所以吉他是电声乐队中不可缺少的乐器。比如说老鹰乐队的加州旅馆那是一首很经典

10、的歌,需要四把吉他同时弹奏,通过演奏不同的声部加上乐队的融合,使得这首歌曲成为经典之作。从中也能看出吉他在乐队中的作用和影响力。BASS 电 Bass 在流行音乐中的地位与作用 在现代电声乐队中，Bass演奏重低音以及节奏，作为整个乐队的低音声部。Bass可以说是整个乐队的基石，在和声上它是旋律声部的向导，在节奏上它的指挥性仅排在架子鼓之后（根据曲子编排不同其实任何乐器都可作为指挥），贝司的节奏型跟鼓的地鼓走，音高却是和声的根音，所以贝司是连接鼓和吉他的纽带，使旋律和节奏混为一体。Bass手的好坏直接影响到乐队的效果。多用分解弦轮指伴奏的方式，在乐曲的经过句中奏出过渡性的旋律，极大地丰富乐队的

11、音色。Bass在很多人看来似乎重要性不大，其实他的奇妙之处在于控制整个乐队的律动，并且能够让曲子显得饱满。虽然 Bass和 Guitar外型差不多，但在乐队中的作用和他们本身的功能都完全不同。Bass是连接 Guitar和 Drum的必要乐器。Bass手要掌握更多的和声理论，要做好乐队当中的沟通者，要和鼓有很好的交流。Drum和 Bass是乐队里最为控制节奏的乐器，这是一种很奇妙的感觉。有人说 Bass对电乐队来说是不可缺少的“灵魂”。真正在乐队中无论演奏内一件乐器的乐手，都很尊重 Bass手。只有没干过乐队或者对 Bass一知半解的人才不尊重 Bass手或者认为 Bass简单，不就在那蹦蹦几

12、下吗？其实这是误区，真正懂和Bass高手就不这么认为了。在音乐里，如果没有 Bass,音乐听着就会不稳定，发飘，没有了根音的音乐也就不叫音乐了。Bass的节奏型要和地鼓咬死，如果没有 Bass那么地鼓脚打的再漂亮，键盘给的和声再准确，吉他给的靠儿再丰满，整体音乐还是发空，使整个演奏失去了灵魂。电 Bass 在流行音乐中的应用 由于 Bass越来越被人们所重视，所以开始有越来越多的人喜欢在吉他 Solo的前后加上 Bass Solo使得感情过渡的更加完美（范例：GAZETTE的未成年），或者索性就用 Bass引出整首歌（范例：X-JAPAN的 ENDLESS RAIN）。Bass的使用越来越多样

13、化，技巧性也更强！在慢歌中，适当的时候 Bass的一下滑音过度，在快歌中，适当的时候的一下击弦，会起到画龙点睛的作用。有其是在吉特巴节奏型的音乐中，适当的击弦，那太完美了，简直是天籁之音。电声乐队中 Bass是万万不能没有的，有时可以不用吉他。根据音乐风格的不同，现在很流行双吉他，而不用键盘。目前很多乐队不用键盘，都是双吉他，没有一个乐队不用 Bass的，可想而之它的重要性。西洋弦乐 西洋弦乐在当代流行音乐中的地位与作用 提琴类乐器自出现以来，广泛流传于世界各国，像钢琴一样，受到世界各洲人们的喜爱。特别是作为西洋弦乐器主导的小提琴，由于它艺术表现力丰富、音色优美，具有歌唱般的魅力，所以自古至今

14、始终都广受众多音乐爱好者欢迎与宠爱。现代流行音乐中的弦乐，也就是交响乐团中的弦乐组，即包括了小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴的弓弦乐组，大编制中可大 60 人，小编制到 28 人，甚至也有每件乐器只用一把的四重奏编配。其音乐非常宽广，可从低音提琴的大字组 C1 到小提琴小字组的 c4。弓弦乐器在音乐中，其语言通常会表达得含蓄动人，声音悠扬缠绵，也可以表现得非常激昂、辉煌和大气，所以弓弦乐器在流行乐中的应用频率非常高。在歌曲的编曲中起着烘托主旋律、渲染歌曲氛围、丰富色彩和充实歌曲音响效果的作用。西洋弦乐在当代流行音乐中的具体应用 在流行音乐的编曲中，弦乐通常是在副歌部分烘托音乐情绪，他不是以密集

15、和弦的形式去编配，长时间的长音会让人觉得厌烦，一般都会带着复调的思维去编配，声部清晰。我们根据需要去运用弦乐器的特殊演奏法，如分工、连弓、断弓、跳弓、撞弓、滑指、滑奏、拨奏、弓杆击奏、弱音器、泛音等，那会使音乐更加的丰富和具有可听性。由于音乐情绪的需要，我们在长线条的弦乐中要做一些强弱的起伏，也就是我们常说的弦乐表情，比如渐强、突强、渐弱、先强后弱、与主旋律的对衬、起伏等等，那会使情绪更加的丰富和优美。在弦乐组声部中，他们都会时不时的出现副旋律或者稍微的休止，这样不会让人觉得乏味，而让歌曲更加动听，且有乐句感。实例分析 在流行音乐中，我们在部分的歌曲中都会听到有弦乐的出现，他们在不同的音乐风格

16、中出现的频率和出现方式都不一样。如王力宏的落叶归根，前奏弦乐的开头就能深深的打动听众，音色亮丽优美，音乐的声部非常的清晰，起伏很到位。副歌部分再次出现的大片弦乐，很好的渲染歌曲的氛围，烘托了主旋律，音响效果非常丰满。间奏时钢琴与弦乐搭配演奏，前面部分弦乐声部的呼应非常的清晰、明显，很好的煽动听众的情绪。在流行音乐之中加入弦乐，是一种极佳的丰富音乐的手段，它可以让情歌更加缠绵悱恻，也可以使悲伤的歌曲更加催人泪下，有时候一两个出彩的弦乐片段，就能让人耳目一新，而弦乐又总是带动引导着听者的情绪。在歌曲中加入或多或少的弦乐，已经成为流行音乐编曲的固定做法，也许是加入电子合成器演奏的简单弦乐，也许是精心

17、编配的弦乐组，又或者是流行歌曲与交响乐团直接合作。在流行音乐的发展下，随着歌曲创作的推陈创新，一定会再涌现出更多更新的弦乐编配技法。架子鼓 架子鼓英文称作 Drum kit或 Drum set，集合许多打击乐器为一体，基本的组合包括了大鼓（bass drum）、军鼓(snare drum)、两个中鼓（tom tom）、一个落地鼓(Floor Tom)、脚踏钹（Hi-Hat Cymbal）和两片铜钹（a ride cymbal and a crash cymbal）。架子鼓在流行音乐中的地位与作用 鼓手掌握着乐曲的速度和节奏等重要环节，尤其是在爵士乐中，鼓手特别需要与其他乐手保持良好的合作状态，

18、比如 切奏 时鼓手的干净利落就在其中起着很大的决定作用。另外在爵士乐中，鼓音色的控制、力度的控制以及速度的控制都是体现鼓手技巧的重要因素。架子鼓的出现，让音乐变得更加丰富饱满，一个好的鼓段编配，能够让音乐本身更具感染力，更加有力量感，再加上架子鼓本身可以以独奏的形式表现音乐，所以就音乐而言，架子鼓是一种越来越不可忽略的器乐之一。架子鼓在流行音乐中的应用 摇滚乐、爵士乐、通俗歌曲等逐渐成为人们文化生活的组成部分，爵士鼓亦属热门乐器，尤其受到青少年朋友的欢迎。爵士鼓在每一种音乐风格中的应用都不一样，如在摇滚乐中，架子鼓的演奏是非常的强烈的，而且几乎从歌曲的开头到结束都不间断过，鼓节奏根据歌曲情绪时

19、疏时密，演奏法的使用以及加花非常的频繁，铜钹的使用频率也很高，因为具有相当多的高频，以及相当大的冲击力和延续性，所以激情的部分是少不了铜钹。而在爵士乐中，爵士鼓的演奏都比较轻，滚奏和压奏的技巧使用很频繁，最主要的还是掌握着爵士乐的节奏律动。在抒情的通俗歌曲中，他使用的节奏一般不会太密集，很多通俗歌曲中架子鼓的节奏都非常的简单，加花和演奏法都很少，看似简单，但是它把控着歌曲的节奏与律动，具有相当重要的地位。由于架子鼓是有多个打击乐器组合而成，所以他的演奏技巧也非常的多样、丰富。在流行音乐的编曲中，我们要根据音色风格的需要适当的去加入特殊演奏技法，这会使音乐更加的生动有活力。节奏律动 在流行音乐中

20、，音乐的节奏律动性是最重要的特点之一，也是判断不同音乐风格的依据之一。音乐的律动性体现在乐器上，我们人声和肢体语言也要和乐器的律动统一起来，以此来更加表演的感染力。达尔克罗斯的体态律动学 身体感受音乐的能力是声音驾驭节奏律动的根本，很多音乐风格 RNB、爵士中对音乐律动的要求都有很明显的体现。国际著名歌手夏奇拉音乐表演的律动上部分站了相当一部分。夏奇拉演唱的 2006年世界杯闭幕式歌曲难以抗拒、2010年世界杯开幕式歌曲wakawaka整个音乐律动被夏奇拉和所有在场的演员、观众、球员充分的表现出来，现场的音乐气氛达到很高的艺术表现力。律动的表演体现歌手的声音、肢体语言、表情眼神，现场的乐手、灯

21、光、甚至舞台背景和观众上。在整首歌曲中每一段的音乐律动不一样，歌手的声音、肢体也不一样。不变的是歌手、舞台、乐手在表现同样的节奏律动，这样就形成不同层次的表现力。这是拉丁音乐风格的独到之处，在我们平时的 POP 音乐中同样需要这样的表现力。最早提出身体律动的是埃米雅克尔克罗斯，生于 1865年 7月6日，卒于是 1950年 7月。他是瑞士日内瓦音乐学院的视唱练耳、和声、作曲教授。他在教学的过程中为学生们缺乏节奏感而深感不安。有一次，他偶尔发现有节奏困难的那一位学生，在走路时节奏感倒是挺好。由此得到启发，使它下决心，要从人们生来就有的节奏中，唤醒对音乐的感受。他深信，“人无不具有天生的节奏本能，

22、不过需加以诱发、培育，进而为音乐所用”。于是，他编了各种练习曲，让学生跟随他即兴弹奏的各种速度、情绪而走动。在一批有远见的日内瓦实业家的资助下，他在德国赫勒劳开办了一所学校，专供他训练、研究。以下文章摘于达尔克罗斯的体态律动学 达尔克罗斯认为：音乐本身就是以听觉经验为基础的，音乐教育应完全立足于听。所以，体态律动课除了要完成基本乐课在视唱、练耳、乐理、调式调性、和声等方面的教学外，还要着重训练学生注意力高度集中，时刻警觉地用身体和各部分，把所听到的音乐的各种因素用各种动作表达出来。而所有这些表达音乐的动作，都是通过教师精心设计在象游戏似的教学方式来进行授课的。体态律动的主要目的是训练学生如何有

23、效地利用听觉去感受及理解音乐，从而培养学生的音乐素质。达尔克罗斯要求学生把身体各器官作为乐器，把感觉到的音乐再现出来。但这与舞蹈不一样，它不要求有优美的姿态，而要求学生有放松自如、协调、充满信心的动作。当学生听到了，并且听懂了，就产生一种想表现的欲望。这样对他们将来学习任何一种乐器都有好处。达尔克罗斯的体态律动教学强调把演奏或表现音乐理解成是时间+精力+空间。音乐是一种“时间”的艺术，加上演奏者旺盛精力产生不同的音响振荡于一定的空间，所以空间中的音响、幅度是时间和精力的结果，因此，可以说空间是时间及精力两者之间的一个重要环节。达尔克罗斯在研究动作时发现空间的存在，而这一点的发现正是达尔克罗斯对

24、音乐与教育的最重大贡献。在时间到体力之间加上空间这一因素，同时效地倾听音乐，这样学生装能具体地领会时值、音高、音响的浓度、分句、和声与旋律的进行、音质、曲式等等。他自己就成一个善于表现的乐器。由于达尔克罗斯的“体态律动学”具有上述一些特点，所以“体态律动”这门课无论学生原有的音乐基础高低如何，也不限年龄的大小都适合上此课。（1）体态律动不是舞蹈，它比舞蹈更符合音乐艺术的自身规律。因此，不要求动作整齐划一，不以训练有美感的姿态为目的，而是以身体为乐器，训练学生有效地利用听觉去感受和体验音乐，通过身体动作，由外及内地帮助学生理解音乐，从而培养学生的整体音乐素质。（2）培养普通人的音乐听觉能力，是音

25、乐教育的最终目的。以听音乐为主要任务，以身体乐器使自己理解的音乐震荡于空间，从而训练学生敏锐的听觉能力。（3）体态律动不是音乐技巧，它是以身体诠释音乐的肌肉运动。因此，训练时要使用大腿、手臂、躯干等大肌肉，追求大肌肉的高度协调动作，挥舞、奔跑、跳跃、迈步等运动训练，提高肢体展现音乐的自由和协调性。（4）动作必须是自发的，源自音乐的。要让自己暂时生活在音乐里，让音乐带着自己走，让音乐告诉自己应该做什么。排除一切抑制、害羞心理与音乐融为一体。（5）体态律动表现的是音乐基本要素，而不是歌曲中的文学形象。特别要注意，不要把体态律动搞成普通意义上的歌表演，不要把文学形象误认为音乐形象。（6）体态律动主要

26、训练的是人体对音乐的反应。这种反应包括节拍、节奏、乐句、乐段、调式、调性、旋律、复调、速度、情绪等等音乐中所包含的内容。因此，教师要不断调整内容，改变方法，不断出新，不断提高自身水平。节奏练习（什么叫体态律动）全身是指（头，胸，腰，胯，腿，膝，脚）体态律动：尽量将音乐各部分表现出来体会音乐多感受 1.音乐的源头在哪里？人类的情绪经过艺术家的加工创造，才被转释成音乐。因此，音乐的源头在这里，音乐教育就应该从这里开始。2.人类从何处感觉的情绪？身体的部位。例如，人在激怒时，眼睛发红，四肢颤抖，双眉横立，牙关紧闭，语气强劲，情绪亢奋，心率加快，血液升高，身体挺起。因此，音乐训练首先应该训练人体，单纯

27、学习音乐而不结合身体运动是不全面的。3，人体如何感觉自己的情绪？情绪体现在肌肉的收缩，以放松的的运动中。紧张时，人的肌肉;；愉悦时人的肌肉放松。因此，首先要培养身体的松弛与自然，使身体的肌肉轻松迅速的执行大脑的指令。4，如何将内心感觉表现与外在世界：自由的情感释放。丢掉一切束缚，自然自由的运动，甚至赤裸双脚，身着袍服以倾听音乐，自由自在地通过身体动作释放内心感情。因此，音乐训练必须与人体律动相结合，用律动的手段把内心的音乐感觉诱发出来。5，人体如何将情绪变成音乐：一系列运动方式。具体包括：人体运动，声音运动，创作行为，演奏行为，触觉行为，还有听觉行为以及视觉行为，从这里入手，他找到一个融身体，

28、音乐，情感为一体的综合呈现方式体态律动。他的基本观点是：音乐的一切基本要素都源自人体的自然状态，因此进行音乐教学的有效途径必须从人体的自然状态中寻找答案。实践证明，凡是贴近人体，贴近人生存的自然状态的教育，才是成功的教育。达尔克罗兹的成功之处，就在于他从音乐教学的诸多问题中发现了结症，然后，寻根求援，找到真正解决问题的方法。这大概就是他成功的秘诀。从下面其他教学体系的介绍中，也可强烈的接收到这一点。音乐是听觉的艺术，毫无疑义，音乐教学应该立足于听于听觉能力的培养。问题是“听”本身具有极大的空间于极大的空间与不同的层面，“听”，与“听见”，“挺进”，“听懂”，有着完全不同的理解和程度上的差异。以

29、往的音乐教学虽然注重了听的形式，但忽视了听的本质；注重了听的内容，但忽视了听的手段与方法；注重了听的表面过程，但忽视了听后的反馈与评价。奥尔夫教学法在流行音乐演唱中的应用 奥尔夫教学法只是一种教学理论，每个教师可根据自己的兴趣和特长，针对学生的的实际情况汲取其中对自己有益的养分，形成自己的教学风格。目前在我国应试教育向素质教育的转型中，流行音乐演唱的教师实践借鉴奥尔夫教学法，不失为一种有价值的探索。一、奥尔夫教学法的主要理论 奥尔夫音乐教学法由德国杰出的作曲家和音乐教育家卡尔尔夫(1895-1982)1924年创立，20 世纪 50 年代。奥尔夫于 19301935年间撰写的五卷 学校音乐教材

30、 正式出版了当今世界最具影响力的奥尔夫音乐教育体系。他将音乐作曲与乐教育二者融为一体 ，形成独具特色的音乐教育理念奥尔夫体系，并成为当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体一。其特点有：（一）综合性 奥尔夫通过原本的音乐的形式去找回人类最接近自态的感觉。同时教学中唱、奏、舞、戏等综合教学使学生在音上能从多种渠道接触音乐和发挥他们的才能。（二）即兴性 奥尔夫指出：“从即兴开始的教育正是真正创造性的教育，即兴的目的是达到想像力和创造力的充分。”因此，他让学生在游戏中去探索声音，用即兴的敲打一些节奏开始自己的乐体验和学习。即兴成为奥尔夫音乐教育体系的核心。（三）易于启蒙 奥尔夫用最基本的音乐元素、

31、素材，对儿行音乐能力的培养。奥尔夫的音乐教育体系最突出的贡献之一是和设计以敲击方法来演奏音乐的乐器。这些乐器也有“奥尔夫”之美称。二、奥尔夫教学法在流行音乐演唱教学中创造性运用 （一）朗诵入手语言在流行歌曲演唱中的运用 将语言引入音乐教学是奥尔夫对学校音乐教学的一项伟大的贡献。我们众所周知，语言是人人都具备的能力。作为人声，它与歌唱在生理上和发声原理上有许多共通的东西，如呼吸、咬字、音色的变化。实际上，在流行歌唱训练中，就已经有了运用语言作为准备的教学方法。将奥尔夫教学法融入流行歌曲的歌词中，通过练习绕口令来加强嘴唇的力量，用说歌词来练习演唱的字正腔圆，用对歌词语言的感受来表达，音乐语言的情感

32、。吐字在歌唱领域是一个非常重要的课程，所以在学习这一部分的时候，要引起足够的重视。同时还要注意在朗诵歌词的同时带上气息和融入情感。且要多听世界各地语言大师的演唱或者朗诵。（二）结合动作肢体语言在流行歌曲演唱中的运用 奥尔夫受达尔克罗兹“体态律动”教育体系的影响，在结合动作的音乐教学内容时，其中声势是用身体作为乐器，通过身体动作发出声响的一种手段，最基本的四种动作是跺脚、拍腿、拍手、捻指，这四个动作是人最自然的动作，将它们运用起来不仅可以有效地激发学生的兴趣，而且还能使学生很快地掌握和感知节奏。将肢体语言融入到流行演唱当中，让歌唱气息和舞蹈气息与音乐呼吸同步，做到边唱边跳不会太累。首先在练声过程

33、中，将一些平常生活的一些动作（如打招呼等）融入到练声中，这样的教学方式可以让练声的紧张气氛消减、让声音自然的流露，更可以激发学生的兴趣。其次在演唱歌曲的过程中，把心里的感受、音乐的强弱关系和音乐的情绪通过肢体语言将它表达出来，与之融合成一个整体，形成一个心里感受和肢体语言、声音乐器、音乐情绪为一体的艺术表现力。（三）结合器乐伴奏乐器与流行歌曲演唱中的融合 奥尔夫乐器的诞生来源于一个教育原理：人们只有在音乐实践中才能学到音乐。音乐教育不只是知识的传授，更是要注重对人的教育。因此流行音乐演唱，最精髓的理念就是每一个歌唱者要学会听懂节奏里面所包含的音乐情绪，演唱者的声音乐器需要与配器音乐节奏形成一个

34、和谐的统一。由于国内很多流行音乐演唱教师教学水平欠缺全面的艺术性，造成很多学习者的声音乐器形成永远不变的旋律线条，然而乐器的伴奏却处在一个节奏的状态，从而形成了演唱声音线条与音乐节奏的线条不符。因此，在学习通过过程中，教授学生利用肢体语言带领音乐节奏，让他们在比较短的时间内，体会和感受声音从不好听到好听的变化，从缺少流行的感觉到能唱出专业的流行歌曲味道。三、结语 目前国内艺术院校还没有一套相对完善的教育体系、教学方法和教材。近年来，随着欧美流行音乐在我国的传播和发展，国内流行乐坛开始呈现逐步与国际接轨的状态。为了加快我国流行唱法和欧美唱法的同步发展，这就要求我们必须研究流行音乐演唱的规律，掌握不同歌曲的演唱风格，提高对当代流行音乐的理论品质。笔者认为，流行演唱教学改革只有着眼于基础教育，将多种优秀的音乐教学法融合到流行演唱教学中，将新的教学法与新时期学生的需求和发展结合起来，才能为中国的流行音乐教学的发展开拓新的思路。身体感受音乐律动的能力在于心里有音乐并体现在肢体与声音上，对于初学者来说可以看一些演唱会的视频通过模仿动作体会音乐心情。当然你也可以找专门的老师系统的教你这些。对你的音乐理解有很好的帮助。